После окончания Второй мировой войны Япония столкнулась с серьезными экономическими трудностями. Страна находилась в состоянии упадка, и восстановление требовало значительных усилий. В это время цензура и государственное вмешательство в сферу анимации практически исчезли, однако на протяжении почти десяти лет японская анимация не смогла произвести заметных произведений. Это было связано как с экономическими проблемами, так и с отсутствием необходимых ресурсов и инфраструктуры для создания качественной анимации. В рамках плана послевоенного преобразования Японии американские власти начали активно ввозить свою кинопродукцию на японский рынок. С началом 1950-х годов, после завершения оккупации, японские прокатчики начали закупать анимационные фильмы на добровольной основе. Это дало японской аудитории возможность познакомиться с множеством популярных американских мультфильмов, таких как приключения Микки Мауса, Дональда Дака и Супермена. Эти фильмы, отличавшиеся высоким качеством анимации и продуманными сюжетами, произвели на японских аниматоров сильное впечатление. Техническое превосходство американских анимационных фильмов стало катализатором изменений в японской анимационной индустрии. Японские аниматоры осознали необходимость создания крупных анимационных студий, способных конкурировать с американскими. Первые такие студии, «Ниппон дога» и «Тохо эйга», были основаны в это время. Студия «Ниппон дога» была основана Масаокой Кэндзо и Ямамото Санаэ, и именно здесь начал свою карьеру известный режиссёр Ясудзи Мори, который впоследствии стал одним из ключевых фигур в развитии японской анимации. Небольшие анимационные студии не могли справиться с растущими запросами публики, и в условиях экономической нестабильности создание крупных компаний представляло собой рискованное предприятие. Однако, несмотря на эти трудности, в Японии начали появляться новые анимационные проекты, которые постепенно привели к возрождению индустрии. Важным шагом стало внедрение новых технологий и методов анимации, что позволило японским аниматорам создавать уникальные произведения, которые сочетали в себе как элементы западной анимации, так и традиционные японские мотивы. К концу 1950-х годов японская анимация начала набирать популярность как внутри страны, так и за её пределами. В это время возникали новые студии и проекты, которые в дальнейшем стали основой для создания таких культовых анимационных сериалов и фильмов, как «Astro Boy» и «Speed Racer». Эти произведения не только изменили представление о японской анимации, но и заложили основы для будущих успехов в этой области.

С момента своего основания в 1956 году, Toei Animation, изначально известная как Toei Doga, сыграла ключевую роль в развитии японской анимации. Созданная Хироси Окавой после приобретения компании «Ниппон дога», Toei Animation стала первой студией, которая начала производить аниме на профессиональном уровне, что изменило представление о японской анимации и положило начало новой эре в этом искусстве. Первым произведением студии стал короткометражный чёрно-белый мультфильм «Каракули котенка» (яп. Конэко но ракугаки), который стал отправной точкой для дальнейших экспериментов и развития анимационного искусства в Японии. Однако настоящий прорыв произошёл в 1958 году с выходом первого полнометражного цветного аниме-фильма «Легенда о Белой Змее» (яп. Хакудзядэн). Этот фильм не только стал коммерчески успешным, но и оказал значительное влияние на многих аниматоров, включая Хаяо Миядзаки, который впоследствии стал одним из самых известных и уважаемых мастеров анимации в мире. Toei Animation с самого начала ориентировалась на создание анимационных фильмов, которые бы соответствовали международным стандартам. Первые полнометражные фильмы студии во многом следовали традициям Disney, что выражалось в использовании ярких красок, музыкальных вставок и сюжетов, основанных на японских народных сказках. В этих фильмах часто встречались животные, которые поддерживали главных героев, что придавало историям дополнительную эмоциональную глубину и делало их более привлекательными для широкой аудитории. Однако Toei не ограничивалась только полнометражными фильмами. С первых лет своего существования студия также активно работала над созданием аниме-сериалов, что позволило ей занять прочное место на рынке телевизионной анимации. Одним из ключевых проектов стал фильм «Путешествие на Запад» (яп. Сайю:ки), созданный по мотивам манги известного художника Осаму Тэдзуки. Этот проект стал важным шагом в развитии аниме как жанра, который начал привлекать внимание не только в Японии, но и за её пределами. На сегодняшний день Toei Animation остается одной из самых старых и влиятельных анимационных студий в Японии, продолжая производить как полнометражные фильмы, так и популярные аниме-сериалы. Студия активно экспериментирует с новыми технологиями и стилями, что позволяет ей оставаться актуальной в быстро меняющемся мире анимации. В её портфолио можно найти множество известных аниме-сериалов, таких как «Драконий жемчуг», «Наруто» и «Сенен Сет», которые завоевали сердца миллионов зрителей по всему миру.

Ранние работы студии Toei Animation оказали значительное влияние на формирование современного аниме, особенно благодаря внедрению техники «ключевых сцен». Этот метод, который стал стандартом в индустрии, позволяет сократить затраты на анимацию, сохраняя при этом высокое качество визуальных эффектов. Суть техники заключается в том, что определенные ключевые кадры, имеющие особую важность для сюжета или эмоциональной нагрузки, прорисовываются с гораздо большей детализацией, чем остальные, менее значимые сцены. Ясуо Оцука, талантливый аниматор из Toei, был одним из первых, кто начал применять этот прием. Он разработал его в ходе экспериментов, направленных на упрощение процесса создания анимации, что позволило значительно ускорить работу над проектами и снизить затраты. Одним из первых и самых известных аниме, использовавших эту технику, стал «Атом» (Tetsuwan Atomu) Осаму Тэдзуки, который вышел в 1963 году. Этот сериал положил начало целой эпохе в анимации, представив зрителям образ героического мальчика-робота, обладающего сверхчеловеческими способностями. В нем сочетались элементы научной фантастики и драмы, что сделало его привлекательным для широкой аудитории. Главный герой, Атом, не только сражается с различными злодеями, но и ищет свое место в мире, сталкиваясь с вопросами о человечности и морали. В аниме 60-х годов также активно использовалась тема поддержки со стороны обычных людей. Герои часто находили помощь и понимание в лице профессоров, ученых и своих друзей, что создавало ощущение общности и единства в борьбе со злом. Примеры таких аниме включают «Space Ace», «Prince Planet» и «Dolphin Oji», где центральные персонажи, обладая уникальными способностями, взаимодействуют с окружающими, что подчеркивает важность дружбы и сотрудничества.

В 1960-е годы японская анимация претерпела значительные изменения, и одним из главных факторов, способствовавших этому, стало повсеместное распространение телевидения в стране. Это новое средство массовой информации открыло двери для анимации, позволяя ей достигать широкой аудитории. В 1963 году Осаму Тэдзука, выдающийся художник и писатель манги, основал свою анимационную студию Mushi Productions, которая стала важным игроком на рынке анимации. Именно в этом году Тэдзука выпустил свой первый анимационный черно-белый телесериал под названием Tetsuwan Atomu, известный на Западе как Astro Boy или «Могучий Атом». Этот сериал часто считается началом истории японских аниме-сериалов, хотя стоит отметить, что первым аниме-сериалом, показанным по японскому телевидению, был Otogi Manga Calendar, который начал выходить в 1962 году. Тем не менее, Tetsuwan Atomu стал первым сериалом, в котором были использованы элементы сквозного сюжета и постоянные персонажи. Это означало, что герои не оставались статичными, а развивались на протяжении всего сериала: они могли появляться и исчезать, взрослеть и стареть. Такой подход к повествованию значительно обогатил анимацию, сделав её более привлекательной для зрителей. Tetsuwan Atomu также стал одним из первых аниме-сериалов, который был показан по американскому телевидению, что способствовало его международной популярности и знакомству западной аудитории с японской анимацией. Успех Tetsuwan Atomu привел к тому, что произведения Тэдзуки мгновенно завоевали популярность, сравнимую с их манга-прототипами. Это вдохновило других художников и аниматоров на создание собственных телевизионных сериалов. К 1963 году в Японии уже было основано четыре новых анимационных студии, что свидетельствует о росте интереса к анимации как к жанру. Сам Осаму Тэдзука, благодаря своему вкладу в анимацию, получил прозвище «Бог манги», что подчеркивает его влияние на эту индустрию. В 1964 году была основана Tokyo Movie Shinsha, которая быстро стала одной из крупнейших анимационных студий в Японии. Эта студия сыграла важную роль в развитии анимации, выпуская множество успешных проектов. В 1965 году Mushi Productions выпустила свой первый цветной мультсериал под названием Jungle Taitei, известный на Западе как Kimba the White Lion. Интересно, что сюжет этого мультсериала впоследствии стал основой для знаменитого диснеевского мультфильма «Король Лев», что подчеркивает влияние японской анимации на мировую индустрию. В 1966 году Toei Doga, еще одна важная анимационная студия, выпустила свой первый сёдзё-сериал под названием Mahoutsukai Sally. Этот сериал стал значимым шагом в развитии жанра сёдзё, который ориентирован на подростков и молодых девушек, и открыл новые горизонты для анимационных историй, ориентированных на женскую аудиторию. В этом контексте стоит отметить, что 1960-е годы стали временем экспериментов и новаторства в анимации, когда создавались не только развлекательные, но и социальные и культурные произведения.

В 1968 году на экраны вышел полнометражный анимационный фильм под названием «Taiyo no Ouji: Horus no Daibouken» (в русском переводе «Принц Солнца: Приключения Хоруса»), который стал значимой вехой в истории японской анимации. Режиссёром картины выступил Исао Такахаata, а среди его соавторов были такие выдающиеся личности, как Хаяо Миядзаки и Ясудзи Мори. Фильм рассказывает о приключениях юного героя по имени Хорус, который, обладая храбростью и добротой, сражается с тёмными силами и стремится спасти свою деревню от злого колдуна. Несмотря на то что «Приключения Хоруса» привлекли внимание зрителей, особенно среди молодежной аудитории и студентов, критики и руководители студии Toei Doga остались недовольны кассовыми сборами, которые оказались ниже ожидаемого. Это разочарование привело к тому, что Такахата был понижен в должности, что стало для него большим ударом. Однако фильм оставил заметный след в анимационной индустрии и впоследствии приобрёл культовый статус. Интересно, что «Приключения Хоруса» стали первой совместной работой Миядзаки и Такахаты, что предопределило их дальнейшую успешную карьеру в анимации. Оба режиссёра впоследствии основали студию Ghibli, которая создала множество шедевров, завоевавших международное признание. Фильм также известен своим новаторским подходом к анимации и сюжету, что отличает его от традиционных детских мультфильмов того времени. В нём затрагиваются серьёзные темы, такие как борьба добра со злом, важность дружбы и самопожертвования, что делает его актуальным и по сей день. Кроме того, «Приключения Хоруса» стали важной вехой в развитии анимационного стиля, который позже был использован в других работах Миядзаки и Такахаты. Фильм сочетает в себе элементы фэнтези и приключений, а также яркие и запоминающиеся персонажи, что способствовало его долгожданному признанию в анимационном сообществе.

Поздние 1960-е годы стали важным этапом в развитии аниме, характеризующимся смелыми экспериментами как в форме, так и в содержании. На тот момент анимация уже успела утвердить свои жанровые каноны, среди которых выделялся сёнэн – история о мальчике с необычными способностями, стремящемся достичь своей цели и взрослеющем на протяжении испытаний. Однако именно в этот период начались попытки создать анимацию, способную заинтересовать более зрелую аудиторию, что стало возможным благодаря усилиям таких пионеров, как Осаму Тэдзука. Тэдзука, известный как "бог манги", активно выступал за то, чтобы анимация и комиксы были доступны для всех возрастов. Он создал несколько фильмов, которые были ориентированы на взрослую аудиторию, среди которых особое место занимают «Тысяча и одна ночь» (1969), «Клеопатра» (1970) и «Печальная Беладонна» (1973). Последний фильм, «Беладонна», стал особенно значимым и необычным произведением, и многие критики и зрители считают, что он оказал влияние на создание таких культовых аниме, как Revolutionary Girl Utena (1997). Этот фильм выделялся своей стилистикой и темами, затрагивающими сложные и глубокие аспекты человеческой природы и общества. В 1971 году начался показ первого "взрослого" аниме-сериала Lupin III, который также открыл новые горизонты для анимации, демонстрируя, что аниме может быть не только развлекательным, но и интеллектуальным. К концу 1960-х годов были сформированы каноны и для других жанров аниме, которые позже развивались и обогащались. Например, жанр меха-сэнтай, представленный такими произведениями, как Cyborg 009, стал основополагающим для многих последующих аниме о роботах и киборгах. Спокон, или спортивные аниме, нашел свое выражение в таких сериалах, как Kyojin no Hoshi и Attack No. 1, которые вдохновили целое поколение юных спортсменов. Мистика также заняла свое место в аниме, с такими произведениями, как Humanoid Monster Bem, которые исследовали темы сверхъестественного и потустороннего. Научная фантастика, повседневность, пародия и комедия также начали активно развиваться, создавая многообразие жанров, доступных зрителям. В 1969 году вышли два анимационных фильма, ставшие классикой жанра кодомо и завоевавшие популярность в России – «Кот в сапогах» и «Летающий корабль-призрак». Эти фильмы не только развлекали детей, но и привносили в их жизнь элементы культуры и искусства. Интересно, что в это время произошло четкое разделение аниме по половому признаку, что также отразило растущее разнообразие целевой аудитории. Конец 1960-х годов также стал периодом перехода от черно-белой анимации к цветной. Одним из первых цветных аниме-сериалов стал Dolphin Oji, хотя он не получил широкой популярности. Изначально разработчики планировали выпустить черно-белую версию, но после четвертой серии решили перейти к цветной анимации, что стало важным шагом в эволюции визуального языка аниме.